School Zine / TNN Series

Towapo en la fnac-Callao

Presentación del libro: Towapo

Ethics for survivors & aliens
Ediciones Complutense
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Intervendrán
Sonia Díaz y Gabriel Martínez, Un Mundo Feliz
Isabel María García Fernández, Vicerrectora de Cultura, Deporte y Extensión Universitaria de la UCM
Manuel Joaquín Salamanca López, Director de Ediciones Complutense
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https://www.ucm.es/ediciones-complutense
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http://eventos.ucm.es/…/towapo.-ethics-for-survivors-and-al…
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*Ya puedes ver/leer las primeras 20 páginas

Tibor Kalman about photography

How to look at photographs should be taught in school but isn’t. There is no course which teaches how to stop and listen to the sounds on an image. It’s disturbing that in an image-driven culture no-one knows how to look at images.
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What I look for in a photograph is reality. I can understand things in photographs which a can’t understand in words or even in films. Historians never describe basic things, but in photographs I can see the shoes and the hair-styles, the expressions, the room. In photographs of the Civil War, or of early Paris you learn a lot more. You learn something new.
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When designing ‘Colors’ for Benetton I used about two thirds stock pictures to a third commissioned. An editor trying to use photography to tell story can easily be disappointed by commissioned work. The story you commission is not the one you’re going to get. With stock pictures, you can see the photography before you buy it, and you get lots of different choices about the picture. It’s like having the work of 10 commissionated photographers. Also, using stock allows you to change your mind. The commissionated photographer may have a disaster, but then, you also have the possibilities from a disaster, which can lead to something fantastic.
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Sometimes I don’t know what I’m looking for. I use picture researchers a lot. They are briefed to bring in a tremendous amount of images. If I don’t look at 2000 pictures a day, I haven’t been working.
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I haven’t seen a picture that I haven’t loved. I haven’t seen a picture that isn’t of value. I haven’t seen one which has nothing to tell me. Whatever the image —nasty ads, real state, prisioners, high school students. There is no picture which does not contain an infinite amount of information.
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Tibor Kalman (1949-1999), designer
(Intro for Designing with photographs by Peter Bonnici & Linda Proud, Design Fundamentals, Rotovision, Crans-Prés-Céligny, 1998)
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Cómo mirar las fotografías debería enseñarse en la escuela, pero no sucede. No hay ningún curso que enseñe cómo detenerse y escuchar los sonidos de una imagen. Es perturbador que en una cultura impulsada por las imágenes, nadie sepa mirar las imágenes.
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Lo que busco en una fotografía es la realidad. En las fotografías puedo comprender cosas que no acierto a entender con palabras o incluso en películas. Los historiadores nunca describen cosas básicas, pero en las fotografías puedo ver los zapatos y los peinados, las expresiones, la estancia. En las fotografías de la Guerra Civil, o las primeras de París, aprendes mucho más. Aprendes algo nuevo.
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Al diseñar ‘Colors’ para Benetton, utilicé aproximadamente dos tercios de las imágenes de stock frente a un tercio que fueron encargadas. Un editor que trata de usar la fotografía para contar una historia puede sentirse fácilmente decepcionado por el trabajo que ha encargado. La historia que encargas no es la que obtienes. Con las imágenes de archivo, puedes ver la fotografía antes de comprarla y tienes muchas opciones diferentes sobre una imagen. Es como tener el trabajo de 10 fotógrafos comisionados. Además, el uso de stock te permite cambiar de opinión. El fotógrafo al que has encargado un reportaje fotográfico puede provocar un desastre, pero también aporta las posibilidades de ese desastre, lo que puede conducir a algo fantástico.
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A veces no sé lo que estoy buscando. Utilizo mucho los buscadores de imágenes. Porque están programados para obtener un número impresionante de imágenes. Si no ojeo unas 2000 fotos al día, es que no he estado trabajando.
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No he visto una foto que no haya amado. No he visto una foto que no tenga valor. No he visto una que no tenga nada que decirme. Cualquiera que sea la imagen: anuncios desagradables, fotos de inmuebles, prisioneros, estudiantes de secundaria. No hay imagen que no contenga una cantidad infinita de información.
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Tibor Kalman (1949-1999), diseñador
(Intro for Designing with photographs by Peter Bonnici & Linda Proud, Rotovision, Crans-Prés-Céligny, 1998)
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Ojos que no quieren ver

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EL CASO DE OMAR O DE CÓMO IR DE SERVICIO EN SERVICIO SIN QUE PASE NADA
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Omar le contó veladamente a una monitora de tiempo libre que en casa alguien le hacía cosas. La monitora le contó a los servicios sociales de su pueblo lo que Omar le había dicho. La respuesta de servicios sociales fue que no podían intervenir basándose únicamente en una frase del niño. Para actuar, necesitaban algo más que un comentario que podía significar varias cosas distintas. La monitora, convencida de lo que Omar le había dicho y de que no mentía, le llevó, usando una excusa, al pediatra. Éste repasó el cuerpo del muchacho, pero ninguna marca podía justificar que elevara un parte de lesiones. Omar no le repitió al médico lo que le había dicho a la monitora. Sin que servicios sociales actuara y sin que Omar volviera a contarlo, nadie pudo hacer nada para protegerle...
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https://www.savethechildren.es/publ…/ojos-que-no-quieren-ver

SLPLL Magazine / AULA 2019

SLPLL Magazine

#1 Marzo 2019
Cultura | Arte | Diseño y Tendencias desde la perspectiva de la educación pública (Escuelas de Arte de Madrid)

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Diseñadores / Artistas
Déborah Abizanda Cerámica
Gelo Álvarez (lanea)
Javier de la Blanca
Gimena Caram y Sandra Pampin 

(STUDIO SQUINA)

Alejandro Delgado
Raúl Díaz Reyes
Ana Ferichola y Natalia Figueroa
(Estudio Tánata)
Jorge Fernández Puebla
Marina Fernández Ramos
María de Frutos
Daniel Fuente y Pablo Mariné
(koln studio)
Sr.García
Laura González 

(lalabeyou)
Alberto Hernández
Laura Mariscal
ANA MARTÍNEZ 

(DSNÚ)
Mª José Pérez Esteban
Alex Sanz
Antonio Sicilia Rodríguez
Ángel Tausía
María Torné 

(Porcelain Jewelry)
Lucía de Torres 

(LUCUIX)

Laura C. Vela
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Concepto/diseño
LSDspace/Sonia Díaz y Gabriel Martínez con la colaboración de: Irene Ruiz, Eloisa Moreno, Paula Alonso, Laura Blanco, Jorge Pascual, Diana Paullet, Gala Díaz, Ana Garay, Roberto Haz, Julio Jordán, Patricia Lanza, Ángela López, Carmen Nogueira, Lydia Saez Mora, Carolina Schueg, Nuria Suárez, Laura Voskian y María Yanguas
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Naming “SLPLL”
César Postigo, Ana de la Cruz, Gemma Vegas, Jorge García, Diego Duque, Elena Pardo, Nuria Gallego, Lucía Muñoz, Marta Valiente, Anna Roig, Inés de la Fuente, María Díaz Zurro, Israel Tobos, Alejandro Sanz, Elisabeth Jiménez y Cristina Rubio
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Copy “¿Y tú de que vas?”
Irene Ruiz Escudero
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Gracias a
Tránsito del Cerro, Antonio Valle Martín, Pedro Sanz Labajos, Myriam Toledo, Carlos García Estades, Iván Rodríguez, José Manuel Faba, Gemma de Paz, Lucerina Moreno, Fátima Ferreiro. A Eloisa Moreno, Elena Pardo y a todos los alumnos por su apoyo

Guiso Gráfico / Onaire

Encuentro con Natalia Volpe
viernes 30 de noviembre
16,15 h.
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ArteDiez
Av. de la Ciudad de Barcelona, 25, 28007 Madrid
Metro Menéndez Pelayo
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Bid18 vs. Supergráfico18
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Nos visita Natalia Volpe del colectivo gráfico argentino Onaire que está formado por cinco diseñadores: Mariana Campo Lagorio, Gabriel M. Lopatín, Gabriel Mahia, Sebastián Puy y Natalia Volpe.
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El grupo ha desarrollado un método de trabajo que denomina Guiso gráfico, el cual le sirve de herramienta para su labor colectiva. Es un método que propicia la participación de todos los integrantes y subsume en una sola composición las visiones de cada uno, trascendiendo, de esa manera, la expresión individual para lograr una expresión colectiva.
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El sentido de apertura que brinda el Guiso gráfico le permite difundir y enriquecer el trabajo de los cinco integrantes por medio de jornadas de trabajo, donde se construyen nuevos relatos y nuevas formas de representación gráfica.
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Las jornadas de trabajo se dan en diferentes espacios: universidades, escuelas, hospitales o cárceles; ellas pueden tener entre veinte y cien participantes, quienes comparten a través del diálogo y del dibujo la mirada del tema que los convoca. De esta manera, a la hora de construir el qué y el cómo decirlo, lo hace con el otro, respetando así las múltiples voces en la construcción de un enunciado plural.
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Onaire especialmente aborda temas relacionados con la historia, la realidad social y cultural; con piezas de diferentes formatos: murales, objetos y afiches, que en muchas oportunidades son impresos en serigrafía. Lo que le permite desarrollar proyectos para instituciones públicas y culturales, sobre la diversidad de género, los derechos de la mujer, la democracia, entre otros; participar de exposiciones, brindar talleres y conferencias para dar a conocer su método de trabajo en distintos lugares del mundo.
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El colectivo considera que a través del lenguaje múltiple y heterogéneo que lo representa puede hablar y cuestionar a la sociedad.
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MÁS INFO
www.onaire.com.ar
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Supergráfico18 / ArteDiez

Supergráfico trata de unir de forma deliberada cultura y contracultura. ¿Por qué? La respuesta es sencilla, porque un lugar público, un espacio educativo y un entorno ligado al desarrollo de la creatividad es el sitio ideal para la confrontación y el encuentro. Han pasado 50 años y parece que se nos haya olvidado que las universidades y las escuelas de arte y diseño son los lugares destinados para liderar este «compromiso de lucha» entre cultura—contracultura, comercial—nocomercial, decorativo—conceptual, institucional—provocador...

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Nuestro mayor desafío como diseñadores consiste en mantener una actitud crítica, concienciar, sensibilizar, provocar y agitar. Con Supergráfico queremos mostrar el excepcional legado que nos han dejado las rebeliones estudiantiles del 68, la contracultura, la creatividad colectiva y la acción cultural como acción política de Paulo Freire. Y, para terminar, rendir un pequeño homenaje al diseñador Anthon Beeke (1940-2018) el último soñador rebelde.
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Supergracias a Óscar Mariné, Thomas Lemahieu (l'Humanité), Sébastien Marchal, Arnulfo Aquino, Patricia Badenes Salazar, Catalina y André Silvart (por las traducciones), Paco J. Carrasco y Natalia Giménez Cid (Minchó magazine), Sergio Jiménez (Subcoolture), Daniel y Pablo (Koln Studio, Miki y Diego (Naranjo+Etxeberria) y Christian Granados.
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Supergráfico18 es un festival de diseño gráfico. Un encuentro con la gráfica a través de exposiciones, fanzines y graphic jam sessions; y, si tomamos prestadas las palabras de Patricia Badenes Salazar, una nueva celebración de la «verdadera» revolución del 68. 
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Supergráfico18 es un proyecto de Sonia Díaz y Gabriel Martínez (Un Mundo Feliz) para ArteDiez
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Social Media Addiction

Bastard & Revolution

Cogito ergo PUM!

La locución latina «cogito ergo sum», que en español se traduce frecuentemente como «Pienso, luego existo», siendo más precisa la traducción literal del latín «pienso, por lo tanto soy», es un planteamiento filosófico de René Descartes, el cual se convirtió en el elemento fundamental del racionalismo occidental. [...] La frase de Descartes expresa uno de los principios filosóficos fundamentales de la filosofía moderna: que mi pensamiento, y por lo tanto mi propia existencia, es indudable, algo absolutamente cierto y a partir de lo cual puedo establecer nuevas certezas... (por ejemplo, que cuando realmente piensas de manera crítica todo lo que conoces empieza a tambalearse!)

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NOTA: Este juego de palabras pertenece a uno de mis alumnos de diseño de ARTEDIEZ.

Pictogramas de Un mundo feliz en un IES...

Pictopía y el diseño de pictos

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Reducción y consistencia o cómo hacer un pictograma
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Reducir significa encontrar la expresión más simple de un objeto, su esencia natural. Según Félix Beltrán, «Se pudiera definir los pictos como una representación simplificada que no altera las proporciones, donde predominan las posiciones de perfil, lo acromático y la carencia de detalles que resultarían imperceptibles a la distancia. En este sentido la simplificación propia de los pictos se convierte en necesaria para ofrecer solo lo principal».
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Otto Neurath sugiere dos reglas básicas para la generación de pictogramas: reducción, en cada uno de los signos individuales y consistencia, para conseguir un sistema coherente. Reducir significa encontrar la expresión más simple de un objeto, su esencia natural. Una técnica habitual de reducción consiste en dibujar la silueta o la sombra de un objeto, animal o persona. Es importante eliminar detalles innecesarios y cualquier uso de la perspectiva. Al reducir las imágenes a una silueta plana y simple, los pictogramas consiguen un estatus sígnico que supera cualquier descripción literal. Por otro lado, mantener la uniformidad estilística de un conjunto de pictogramas y su uso estandarizado permite que sean convencionales y universalmente legibles.
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Desde esta misma perspectiva Martin Krampen sugirió a los diseñadores el uso de un «realismo simplificado», donde cada signo sea tratado como una sombra geométrica de la realidad desde un punto de vista retórico, técnico y práctico; «empezar por fotografías de las siluetas de objetos... y después por substracción... para obtener pictogramas de siluetas.»
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Para Herbert Kapitzki un pictograma, siendo una forma de comunicación no verbal, tiene que visualizar un objeto o una situación, y así se diferencia de una ilustración que representa una situación u objeto ya asumidos y es producto de un criterio principalmente estético. Así un pictograma requiere ser una forma con tendencia a la abstracción y a la síntesis, sin perder potencialidad significante.
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La mayoría de los autores afirman que un pictograma debe:
1_ Tener carácter de signo y no de ilustración.
2_ Facilitar y hacer comprensible la información de forma rápida.
3_ Tener una unidad formal basada en las pautas constructivas y una estructura declinable (sistema).
4_ Superar las barreras culturales e idiomáticas.
5_ Ser culturalmente neutral, siendo comprensible por personas con diferente nivel de formación, capacidad psíquica e intelectual.
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Timothy Samara aconseja seguir, entre otros, los siguientes pasos para realizar un buen diseño:
1_ Ten un concepto. Si no hay mensaje, ni historia, ni idea, ni narración, ni experiencia útil, no es diseño gráfico.
2_ Hay que comunicar, no decorar. La forma expresa un significado, no importa lo sencillo o abstracto que sea.
3_Si puedes hacerlo con menos, adelante.
4_ Tienes que ser universal, recuerda: tu trabajo no es para ti.
5_ Sé contundente: hazlo a conciencia o no lo hagas.
6_ Busca en la historia, pero no la repitas. Aprende del trabajo de los demás, pero haz tú mismo los deberes.
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Estas y otras muchas ideas aparecen en el libro de LSDspace: Imagomundi (2011) e Iconicity (2015) publicado por Promopress, Barcelona.

Free Ahed Tamimi #4

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Take risks!

«When one is a full-time designer, there is little room for questioning, challenging, and shifting the profession. As teachers, we’re in a privileged position to effect change with our students, and maybe also take risks in our own practice.» —Kali Nikitas

Acoso escolar!

New symbol against bullying #14

Symbols against bullying #13

Symbols against bullying #12

Symbols against bullying #11